Les Luminaires, un siècle d’évolution et de design

Dans les années 1920 et 1930, le design des luminaires s’industrialise, avec un choix restreint de couleurs, des formes simples et géométriques. Les créations sont standardisées, pour répondre à une production de masse, tout en gardant une certaine élégance. C’est véritablement à cette période qu’architecture et arts décoratifs deviennent interdépendants et de nombreux architectes-designers internationaux ⁵, chantres du mouvement moderne, s’orientent alors vers une recherche de fonctionnalité et de pureté dans la forme.

En architecture, on adopte le fonctionnalisme, basé sur la célèbre formule : « la forme suit la fonction » ⁶, expliquant le fait que la spatialité, la forme et l’apparence d’un bâtiment doivent dériver de sa fonction. Ces réflexions gagnent rapidement le design puisqu’en 1919, Walter Gropius fonde l’école de design du Bauhaus, à Weimar en Allemagne, afin de créer des meubles et objets pour tous, grâce à un design novateur, plus fonctionnel et résistant, qui s’inspire des recherches mathématiques constructivistes ⁷ et des recherches fonctionnalistes ambiantes en architecture.

Ainsi, la lampe de travail Midgard de Curt Fischer servit de modèle aux artisans de l’atelier de ferronnerie du Bauhaus pour fabriquer des luminaires modernes. Elle était même une des composante du mobilier du Bauhaus à Weimar et se trouvait également dans la maison du directeur à Dessau, occupée par Walter Gropius. Elle répondait parfaitement aux exigences fonctionelles grâce à sa pince de fixation, son bras amovible et son abat jour profilé pour limiter l’ombre portée sur le plan de travail ⁸. Ce type de recherches, et plus largement le dynamisme du Bauhaus, influencera une grande partie du design international pendant plusieurs décennies et de nombreux designers.

Certains objets précis, comme la lampe de travail par exemple, sont fortement développés et explorent toutes les techniques et matériaux possibles. La lampe garde à chaque fois un certain minimalisme, une petite gamme de couleurs et un design sensiblement similaire qui reproduit des éléments caractéristiques tels que le bras amovible et l’étroitesse de champ lumineux, qui permett d’orienter la lumière sur un point particulier. Ces caractéristiques récurrentes n’empêchent pas l’innovation : ainsi, en 1925, Edouard-Wilfrid Buquet crée une lampe réglable d’un nouveau type : un modèle à contrepoids qui fut l’une des lampes les plus populaires de cette époque

Toutefois, tous les designers internationaux n’embrassent pas totalement la modernité proposée notamment par le Bauhaus.

Ainsi, le design français de cette époque reste imprégné d’une certaine tradition dans les arts décoratifs avec des objets qui mêlent modernisme et goût pour la richesse et l’ornement. Les modèles sont raffinés avec l’utilisation de matériaux moins industriels et plus luxueux, comme le cristal ou le chêne cérusé. Ainsi, le designer Jules-Emile Leleu crée aussi bien des lampes minimalistes en verre et métal chromé, comme une torchère dotée d’une table intégrée en verre créée vers 1930, que d’autres plus cossues en acajou et bronze argenté.

De même, le design italien se tourne vers une clientèle d’élite. Ainsi Gio Ponti, à la tête de Fontana Arte, souhaite répondre à la demande de luminaires de qualité en verre ou en cristal. Il mêle alors esthétique industrielle et détail pittoresque, égayant ses luminaires de touches de couleurs ou de formes fantaisistes, créant un style à part entière, aisément identifiable. La lampe Bilia répond à cette volonté d’extravagance avec son pied conique en métal qui semble soutenir comme par magie l’abat-jour sphérique en verre dépoli.

La naissance du design en ce début de XXe siècle, et les différents styles qui se créent, vont peu à peu prendre de l’ampleur pour créer une véritable expansion du design et des styles existants à partir des années 1950.

La Seconde Guerre Mondiale a eu un impact considérable sur le design des années 1950. Les années d’après-guerre marquent l’utilisation de nouveaux matériaux, de nouvelles formes et de nouvelles couleurs après l’austérité forcée de la guerre. La nécessité de reconstruire pousse les designers à redéfinir les contours d’un design moderne, proche du consommateur. Chaque pays sera impacté différemment par les deux guerres mondiales et ainsi, à partir des années 1950, on peut constater que le design de chaque nation acquiert certaines spécificités distinctes.

Ainsi, les américains se concentrent sur la recherche de formes audacieuses grâce à de nouvelles techniques industrielles, comme la lampe Model n° T-5-G de Lester Geis, dont les deux abat-jours en métal peint peuvent pivoter pour cacher ou révéler la lumière.

En France, la direction prise est différente. En effet, le gouvernement lance en 1944 le Ministère de la Reconstruction et de l’Urbanisme qui initiera des grands chantiers de reconstruction pour remédier à l’important problème du relogement d’un pays qui a subi de nombreuses destructions. Par extension, les besoins de la population sont aussi existants en matière de mobilier. De nombreux designers français vont alors s’appuyer sur les concepts de modernité mis en place dans les années 1930 pour concevoir des objets sobres et fonctionnels avec des techniques productives efficaces et des matières simples et robustes. Le dépouillement devient nécessaire pour une large production en série et les designers français cherchent à la fois à ne pas retomber dans une certaine opulence décorative passée tout en prenant une certaine autonomie vis-à-vis du modernisme austère d’avant-guerre. Ils créent des formes et des combinaisons de couleurs simples, comme le fait par exemple Serge Mouille pour sa série de luminaires aux abat-jours en métal émaillé noir et intérieurs blancs, supportés par de minces bras métalliques.

Non loin de là, le design italien prend son envol après la guerre et devient le leader mondial du design. De grandes maisons industrielles font appel à des designers avant-gardistes pour créer des pièces qui tiendront la première place sur le devant de la scène internationale. Alors que les autres pays se basent sur la rationalisation et la production, l’Italie voit se développer des initiatives d’expérimentation et de fabrication d’objets nouveaux et originaux. Les designers créent alors des lampes fantaisistes, légères, voire exubérantes, avec des abat-jours colorés et des formes influencées par la sculpture contemporaine. La lampe Modèle n°534 de Gino Sarfatti répond à cette folie du design italien d’après-guerre avec ses abat-jours multicolores pouvant s’incliner dans diverses positions.

Enfin deux pays arrivent sur le devant de la scène internationale du design.

Tout d’abord, le Danemark qui devient un acteur majeur en proposant des pièces modernes, poétiques, à la fois rigoureuses et conviviales et au coût peu élevé. Ainsi, la suspension PH Artichoke, créée par Poul Henningsen, a un aspect très décoratif par sa forme ronde constituée de lamelles rectangulaires, et chaleureux par sa couleur cuivrée.

Le Japon acquiert également une place plus importante en matière de design. En effet, les designers japonais arrivent à renouveler leur répertoire original en puisant dans les nouveautés du design occidental, créant un style hybride unique. Ainsi, les lampes Akari de Isamu Noguchi ont des formes abstraites et épurées, rappellent à la fois l’art de l’origami et les nouvelles créations du design occidental contemporain ⁹.

Joe Colombo, applique et lampadaire Alogena, 1970,©Photo Les Arts Décoratifs, Paris/Jean Tholance

L’aspiration au changement et à la liberté est forte dans les années 1960 et se prolongera dans les années 1970. L’austérité de la guerre et de l’après-guerre est terminée et la confiance en l’avenir prend le dessus. Les designers achèvent de rejeter le modernisme débuté dans les années 1930, qui ne répond plus à la demande d’un grand nombre de consommateurs qui souhaite du changement et une plus grande variété dans les objets. De plus, la génération des sixties désire une identité propre, éloignée de la génération de leurs parents, ayant connu la guerre. Le consumérisme de masse apparaît à cette époque et les designers rivalisent de créativité pour notamment toucher la jeune génération ; le design n’est plus au service du fonctionnalisme mais de l’esthétique.

Le design des années 1960 se veut inventif, laissant la place à la rondeur et à la couleur : la période Pop ¹⁰ démarre ! Le designer danois Verner Panton est un des grands représentants de ce design et crée des luminaires aux formes rondes et aux couleurs vives comme la suspension Topan ou les lustres Kugel-Lampe. Sa sensibilité Pop lui permettra d’inventer une nouvelle qualité de vie par l’aménagement intérieur, en libérant l’imaginaire et en créant un design ludique.

L’autre élément distinctif des années 1960 se situe dans les matières utilisées : de nouveaux matériaux font leur apparition et permettent aux designers de s’affranchir des contraintes physiques de création. Le plastique s’élève notamment comme un élément phare et son utilisation se démocratise y compris en matière de fabrication de luminaires. Des recherches sur les propriétés thermoplastiques et optiques de cette matière sont menées pour créer de nouvelles formes inédites comme, par exemple, la lampe de table Model n°281 Acrilica, en acrylique moulé en forme de C, de l’italien Joe Colombo.

De plus, les designers italiens parviennent même à débarrasser le plastique de sa réputation de produit bon marché et peu attrayant pour créer des pièces captivantes. Ainsi, l’emprunt à des formes connues reste fréquent pour certaines lampes, cependant elles sont revisitées, recréées, redimensionnées pour servir à une autre fonction et remettre en cause notre perception originelle comme les lampes Pillola de Cesare Casati et Emanuele Ponzio qui reprennent la forme de pilules bicolores agrandies.

Les années 1970 prolongent les réflexions initiées dans les années 1960 et sont marquées par la diversité de la condition postmoderne ¹¹ et ainsi que par la mise en avant de l’identité propre de chaque designer, rendant difficile la présentation exhaustive de toutes les recherches et expérimentations de cette période. Les créations les plus folles prennent place dans ce nouvel art de vivre qui mêle provocation et revendication de la liberté culturelle et sociale où les couleurs, les formes, les matériaux, les mélanges des arts continuent leurs expérimentations.

Ainsi, les luminaires peuvent s’orienter, par exemple, vers le domaine du high-tech, avec des visions futuristes comme celle de Joe Colombo, qui imagine du mobilier entièrement modulable comme la lampe Alogena qui existe en lampe, lampadaire ou suspension.

Il existe d’autres visions plus artistiques comme celles des designers italiens qui n’hésitent pas, pour certains, à se diriger vers des excès de formes et de couleurs. Ainsi, Ettore Sottsass, membre fondateur du Studio Alchimia ¹² tend vers une grande liberté d’expression avec des luminaires ironiques et décalés. De même, Michele de Lucchi se moque du design fonctionnel en usant de la distorsion pour s’éloigner de la fonction de l’objet. Il souhaite créer une image forte d’un produit plutôt que de répondre à un problème d’éclairage : la lampe Sinerpica, avec ses couleurs vives et sa forme rappelant une plante grimpante, s’éloigne d’une quelconque fonction.

A la fin du XXe siècle, la pluralité de styles, de designers et de nouvelles recherches sur la modernité et les nouvelles technologies créent des possibilités infinies en matière de design qui seront explorées encore plus densément dans les décennies suivantes !

Les années 1980 prolongent les réflexions et recherches initiées dans les années 1970 autour de la condition postmoderne. Il n’existe plus vraiment de courants hégémoniques mais bien une pluralité d’initiatives personnelles, et un glissement s’opère progressivement : ce sont les designers eux-mêmes qui sont mis sur le devant de la scène et non plus un mouvement. Seuls les italiens semblent se démarquer en tant que cellule de designers avec le Groupe Memphis ¹³ dont la volonté est de créer un design coloré, humoristique, aux formes inédites et déstructurées. La lampe Super de Martine Bedin, par exemple, est un modèle de luminaire ludique et polychrome qui invite l’utilisateur à une interaction avec l’objet grâce à des roues fonctionnelles.

De manière générale, de nombreux designers n’hésitent pas à s’inspirer des styles passés pour créer un design dit « néo-décoratif ». Pour Philippe Starck par exemple, il s’agit de renouveler la tradition française des arts décoratifs selon une approche historiciste modernisée personnelle : sa lampe Haa rappelle les bougeoirs du… XVIIIe siècle !

Quant à Borek Sipek, il se tourne vers un style « néo-baroque » pour donner une grande importance au travail artisanal : les lustres Luigi, exubérants et étincelants, sont composés de formes florales stylisées entremêlées rappelant les lustres Art Déco ou les créations en verre de Murano du XVIIIe siècle.

L’idée du retour à une certaine tradition émerge, principalement au niveau des matériaux traditionnels qui sont remis sur le devant de la scène comme la céramique, le bronze ou le bois mais également les séries limitées ou les pièces uniques. En effet, les designers s’affranchissent des contraintes industrielles et utilisent des matériaux qui contentent les attentes luxueuses de certains commanditaires. Ainsi les lampes Maison Charles ¹⁴,ornent les plus belles et luxueuses maisons françaises comme le modèle Feuille d’eau créé par Chrystiane Charles, qui répond parfaitement à ses critères grâce à la base et l’abat-jour tout en bronze et laiton avec différentes patines possibles.

La polysémie des styles et tendances, initiée dès les années 1980, ne diminue pas dans les décennies suivantes, bien au contraire, puisque le design est désormais partout : électroménager, alimentaire, alcool, électronique, voiture, mobilier… Cela a pour but de séduire davantage de consommateurs, améliorer l’ergonomie des produits et relancer les ventes qui se sont ralenties après « l’orgie ¹⁵» des années 1980.

Les années 2000 sont caractérisées par une profusion de styles et tendances, une sorte de nouvel éclectisme après les années de l’hégémonie du modernisme du milieu du siècle passé. Les initiatives sont diverses et variées, et oscillent entre deux tendances quasi-antagonistes : une hyper-démocratisation du design, ou simili-design, accessible au plus grand nombre pour une somme modique dans des grandes enseignes, et une hyper valorisation de certaines créations ou designers, dont les côtes explosent !
L’entreprise IKEA est le parfait exemple de cette popularisation du design avec des prix défiant toute concurrence (une vingtaine d’euros) comme par exemple la suspension Brunsta/Hemma disponible en deux tailles, facilement montable et au design géométrique contemporain.
A l’inverse, certains designers, comme Matali Crasset, créent des luminaires pour des grandes marques du design, comme Roger Pradier, peu accessibles au plus grand nombre. Ainsi, sa collection de luminaires d’extérieur, intitulée La Hutte, permet un choix important de coloris et trois versions de cette lampe mais à un prix nettement plus élevé (plusieurs centaines d’euros selon le modèle).

Des initiatives qui s’appuient sur les nouveautés technologiques apparaissent, comme le design biomorphique, dont le but est essentiellement décoratif : les objets semblent vivre, dans un monde rêvé, grâce à des formes empruntes de douceur et de poésie. Ainsi, les luminaires de Ayala Serfaty sont inspirés de formes naturelles comme les méduses, les coquillages ou les fleurs, en exploitant le plus souvent les nouvelles possibilités techniques offertes par les avancées en la matière, telles que l’utilisation du polymère ou d’un tissage de filaments de verre.

Dans un autre style mais toujours dans une idée d’utilisation du high-tech, la lampe Aerial Light E23 du designer Ron Arad, s’inspire d’antennes de voiture et peut être pivotée et télécommandée à distance.

Depuis quelques années, certains designers ont même totalement associé leurs créations aux nouvelles technologies, telle que l’impression en 3D. Ainsi, par exemple, la lampe conçue et fabriquée par l’industriel canadien Samuel Bernier, qui s’inspire de formes anciennes, ici la Tour Eiffel, utilise une technologie moderne.

De façon analogue, l’artiste designer américaine Bathsheba Grossman a également créé une série de lampes aux formes complexes en utilisant la conception assistée par ordinateur et la modélisation en trois dimensions ainsi que la technologie de l’impression sur métal.

Toutes ces nouvelles avancées technologiques permettent aux designers de repousser les limites de leur créativité grâce aux possibilités infinies de créer de nouvelles formes.

Dans cette cohorte de styles qui caractérise le design depuis les années 1970, il existe pourtant un point qui semble rassembler de nombreux artistes et designers : la prise de conscience de la nécessité du recyclage et, à plus large échelle, de la protection de l’environnement.
Cela commence tout d’abord en réaction à l’utilisation massive du plastique dans les années 1960 puis la crise du pétrole de 1973. Des recherches variées sur des modes de consommation ostentatoires sont menées pour essayer de créer un lien entre design et environnement. Les recherches s’orientent initialement vers l’utilisation de matières recyclées, puis elles s’élargissent à l’ensemble des caractéristiques de chaque objet.

Ainsi apparait le low design dans les années 1990, qui se caractérise par une retenue et une épuration des formes et des couleurs tout en côtoyant les formes humoristiques d’objets détournés de leur fonction première. Ainsi, l’entreprise Droog Design crée la suspension Milkbottle composée de bouteilles de lait en verre retravaillé.

De plus, toujours dans ce même axe de réflexion, les créations en série limitée ou en pièce unique se multiplient en réaction à la consommation effrénée des décennies précédentes. Ainsi Ingo Maurer récupère une boîte de conserve en aluminium de la marque Campbell’s pour créer la suspension ou l’applique Canned Light.

L’aboutissement de cette réflexion se trouve certainement dans la naissance de l’écodesign, très engagé, dont la volonté est de produire des objets respectant le développement durable, l’environnement, l’utilisation de matières durables ou recyclables comme le carton, le bambou, la ferraille et les objets en fin de vie réutilisés. Ainsi, le designer Kikidesign réalise des luminaires à partir d’objets de récupération comme la lampe Miss Luza Bomba réalisée à partir d’une ancienne pompe industrielle en fonte.

C’est peut-être cette dernière recherche qui illustre une des tendances fortes des années 2000 qui n’est pas près de faiblir dans une ère où les préoccupations sur notre avenir et les enjeux climatiques sont grandissants.

Il n’y a plus vraiment de règles hégémoniques et la variété de modèles de lampes disponibles sur le marché, ainsi que les diverses gammes de prix proposées montrent bien l’ambivalence complexe du design : entre réalité et nécessité primordiale accessible pour tous et au plus grand nombre et objet de désir, manifeste d’un style et d’une époque, et d’une appartenance à une certaine catégorie sociale, aujourd’hui les lampes, mais aussi l’ensemble du mobilier et des arts décoratifs font sans mal le grand écart !